渋谷のおすすめROCK BAR!

ゴスペル・クワイア「Satisfy My Soul」渋谷教室は第2・4金曜日の20時~22時。
JR渋谷駅の南改札を出て歩道橋を渡ったすぐの「音楽館渋谷店」でやっています。。

渋谷のレッスンの時には、いつも道玄坂に宿をとりますが、定宿の近くに僕がとても大好きな「ロック・バー」があります。

名前は「アズベリー・パーク」!

ある夜、ふと独り呑みしたくなってスマホで「渋谷 ロック・バー」で検索したら、この名前が出てきました。

僕の大好きなブルース・スプリングスティーンの1STアルバムのタイトルは「アズベリー・パークからの挨拶」。もしやと思い、恐る恐るお店に入ったら思った通り!

ここのマスターは僕より一つ年上で、中学時代にブルース・スプリングスティーンのアルバム「THE RIVER」にはまり、どうしてもブルースの仕事がしたくてCBS SONY に入社されたそうです。その後、あの有名なプロダクション「アミューズ」を経て3年前にこのお店を開業されたとのこと。

お店の雰囲気はこんな感じ。

巷のよくあるロック・バーは、見た目もロッカーな店員さんなんかがいて普段着で気軽に入れる雰囲気の店は少ないんですけど。ここはマスターも「普通」な感じの気の優しいおっちゃんですし、お客さんもみんな仕事帰りのサラリーマン(明らかに業界関係っぽいけど)。

ロック・バーというよりはロック・リスニング・バーといった方がいいかもしれない。

もう10回以上お邪魔してるけど、ほんとに楽しいお店です。

発声練習

ゴスペルに限らず、歌を学ぶと必ずやるのが発声練習です。自己流でやってる方は発声練習などはいらないというかたもたくさんいます。話す時と同じ声で歌う歌手は特別に声を作る必要はないでしょうし、これはその人が歌うスタイルやジャンルによるものかもしれません。

じゃあゴスペルはどうでしょう?

これも、その人がどのような環境に属し、どのように歌うのかで決まると思います。

たとえば属しているグループや教室のコンセプトが、黒人教会で歌われているようなサウンドを目指しているのであれば、やはり彼らの独特な発声法を学ぶべきです。

オーソドックスなブラック・ゴスペルのサウンドを再現しようとするなら、彼らが伝統的に守り続ける「黒人音楽のルール」を守らなければ、そのようには聴こえません。

すべての伝統芸術や武術がそうであるように、黒人音楽にも「型」があるとお考え下さい。

一見、とても自由に表現しているように聞こえるブラック・ミュージックですが、実は多くのルールや制約が存在します。この「型」を守りつつ、しかしそんな制約がまるで無いがごとく、唯一無二の個性と自由さを表現するものがブラック・ミュージックです。

ゴスペルを歌う人が、それなりに黒人歌手のサウンドに近づけたいのであれば、この「型」に沿った発声練習が必要です。

基本的な発声練習のほかに、例えば「あーーー」と声を伸ばすにしても、日本語母音の「あーー」なのか、よく曲中に出てくる「AH~~」なのかを区別すべきです。

後者の方ははじめのアタックだけが「あ」でその後の音は少し力を抜いた上で息を混ぜた「は~」に近い音です。細かいニュアンスは文才がないので文字にしづらいですが、歌の中で使われているニュアンスを発声に取り入れることが大事です。

ネット上や本屋さんにはたくさんの「発声メソッド」があります。しかしこれだけをやったところで歌は上手くなりません。自分自身のアイデアで既存のメソッドに、自分が歌う曲の中で使うテクニックを混ぜたものを作ることをおすすめします。

ゴスペル・コーラスのパート練習 その1

ゴスペル・コーラスは普通は声の高さでパートに分かれています。上からソプラノ、アルト、テナー、ベースみたいな感じで。(細かく分けたらメゾソプラノとかメゾアルトみたいにもなるけど、ややこしいのでとりあえず4つで。)

僕は20代のころにアメリカの教会でお世話になっていた時、はじめてゴスペルのコーラスを耳にしました。

あんまりよくわかってなかったけど、一番びっくりしたのは普段話すときに僕よりも声が低かった黒人のおばちゃんが、歌うときには一番高いパートにいるのを知ったとき。

なんで低いパートを歌わないのか?って質問したら「どこでも歌えるわよ。みんなもそうよ」とのこと。ぶったまげました!

いまSatisfy My Soul 東京ではレッスンの時にパート別で歌う際、ソプラノを歌うときは全員がソプラノ、アルトの時は全員がアルト、テナー・ベースも然り。すべてのパートを全員が歌うという方法をとっています。

この練習の大きな効能その1!!

まずは声のレンジ幅、または声を響かせる場所を普段は絶対に使わない箇所まで広げます。

未経験の人がゴスペルを歌うとほとんどの人は高い音を出すときに苦しそうな顔をして喉を締めます。これは浜崎あゆみさんなどが使う一番日本人にとってはなじみ深い手法ではありますが、音がキンキンして溶け合わないのでゴスペルには不向きです。

喉の奥を締めて口の前で響かせた音は、高い音を出している実感はあります。では黒人の人たちはどのように出しているのでしょう?

日本人が一番会得するのに苦労するのが鼻腔共鳴ではないかと思います。上の奥歯に声を響かせるようにすると口は横に少し広がります。そうすると共鳴は喉ではなく鼻の上の方に向かうために顎や頭蓋骨に響きます。

知っての通り、外人さんは鼻が大きいので副鼻腔に空洞があり、そこに響かせることができます。僕たちアジア人は鼻腔が狭くしかも蓄膿や鼻づまりも多いのでここに響かせるためにはトレーニングでコツをつかむことが必要となります。(外人講師が発声の際にたまに困った顔をするのは、僕たちの響きが彼らと違うためです。なぜ違うのかがわからないんだそうです。)

さて前述の鼻腔共鳴の「コツ」ですが、レッスンではいろいろやりますけど、ここではそのうちの一つを。

いつもよりも低い音を使って、のどを締めるのではなく、喉の奥の上の方を開く練習をまずしましょう。

ソプラノさんがアルトやテナーを歌うと、普段よりも楽勝で声が出るでしょう。しかし仮に人数が足りないなどでソプからアルトに降りてもらっても、出しやすそうに府抜けた声で歌ってもらっても意味がありません。

ちょっと高くてきつそうにアルトが歌う音色をちゃんとだしてもらわなければコーラス全体のテンションが下がって生ぬるい音になってしまいます。

じゃあどうするのか?

普段高い声を出すときに響かせているすべてのテクニックを封印してください。低い音を出すときに響かせている箇所をキープしたまま高い声に移行していきます。そうすれば普段と違う出し方ですので、それなりにテンションの高い音色に変わります。

どのパートの人も低い声を出しているときに広げた喉の形をキープさせます。このトレーニングは中音域の声の出し方を変えるし、野太い音質を混ぜてくれるようになります。

文章で書くのはとても難しいですが、低い音の成分を高い音にちりばめることができれば、声はやわらかいけどテンションの張ったタイトな立ち上がりを生みだします。

違うパートの音を歌うときには、そのパートの持つテイストを意識して声を変えなければいけません。これをやると音色のバリエーションも増えますし、なにせリードが上手くなる。

ぜひお試しください。

効能その2に続く。

カントリー

私は10代の初めから20代半ばまではブルーグラスという音楽をやっていて、バンドではマンドリンを担当していました。

その後、ブルースに出会い黒人音楽に傾倒していく中で、カントリーのサウンドに魅力を感じられなくなりバンドもやめてR&Bなどを歌い始め、ゴスペルの世界へと行きつきます。

しかし最近、僕は家でも通勤でもカントリーばかり聴いています。5年前からギターを弾くようになったことも大きな理由の一つですが、それよりもカントリーのヴォーカル・スタイルに若いときには気づかなかったあらたな魅力を感じるようになったからです。

20代半ばでカントリーをやめた時は、とにかくコードのシンプルさ、2ビートのリズムの単調さに嫌気がさして(カントリー・ファンの方、ごめんなさい。今はそうではない事もわかっています)、もっと刺激の強いものを探していました。

しかしファンクやR&Bなどで、トリッキーな演奏の中歌っていたり、バラードでメリスマやシンコペーションを多用した歌い方ばかりしているうちに、本来の自分を見失うようになりました。

技術に走り、とにかく「すごい」とか「上手い」と言われるために必死で練習していましたのでそれなりの評価は得ていましたが、いざ自分の歌を録音したものを聴いても、それを好きになれることは一度もありませんでした。

好きな曲を自分流にアレンジして、より自分の好みに近づけているはずなのに全然気持ちがワクワクしないのです。

そのうち自分の歌の弱点がはっきりしてきました。シンプルなコードでシンプルなメロディを朗々と歌うことができなくなっていたのです。

美しいメロディを持つ楽曲の、素地が表現できないのは僕の中では「致命的に下手」な部類に入ります。そんな歌手に自分が知らないうちになっていたことはとてもショックでした。

「シンプルな美しい曲を、ただシンプルに歌いたい。」

そんな思いが強くなって葛藤していた頃に、itunesの新しいサービスが始まりました。月1000円で10万曲が聞き放題というものです。

軽い気持ちで便利かなと思ってサービスに登録したのですが、しばらくするうちに自分で曲を探すのもめんどくさくなって、itunesが勝手にセレクトしてくれる「radio」を利用するようになりました。

ある日、お風呂に入りながら気まぐれで選んだ「Modern Country Music」を聴いていたら、そこには僕が長い間悩んでいたものの答えがありました。

楽観的、単純などと思っていたカントリー音楽でしたが、お風呂の中で一緒に真似をしてみると、いかに自分が「歌を歌うために不必要なこと」をしていたかがわかった気がしました。本当にあの日、あの時間にお風呂に入って良かった・・。

2017年、私は30年ぶりに初心者としてカントリーに向き合うことを決めました。技術を全部捨ててしまうわけではありません。それは無理です。でも技術を技術として聴かせないというより高度な歌い方にチャレンジしたいと思います。

緊張ってなんだ

ゴスペル教室はうちもそうですが、大抵はたくさんの人とのグループ・レッスン形式となります。

「歌を歌ってみたいなあ」と思っていざ始めてみると周りにはたくさんの初対面の人がいて、そんな人たちの前で今までやったこともないことにトライする。これってなかなか勇気のいることですよね。

たくさんの人がいるなかで、要領の分からない状態になると、脳にノルアドレナリンが過剰に分泌されて、交感神経が活発化します。適度であればそれは潜在能力を引き出すのに大いに役立ちますけど、活発化しすぎると自律神経のバランスが悪くなります。

これが俗にいう「緊張状態」です。

この自律神経や脳内分泌は自分の意志でコントロールできるものではないそうです。

緊張すると冷や汗が出たり、手が震えたり、人によって身体には様々な反応が出ます。これはやっかいなものだと思いがちですが、ある意味、動物としての生存本能が働いているわけですから、生きていくには必要な「能力」だと思えばいいと思います。

ただ、現代社会に生きる私たちは野生の動物のように毎日外敵に食べられるというような心配をしながら生きているわけではありません。そのかわり野生動物にはない心配事や悩み事は多々ありますけど・・。笑

さて本題に戻りましょう。

たかが人前で歌を歌ったり、パフォーマンスをするだけなのに、身体が過剰に防衛反応してしまうことを防ぐにはどうすればいいのでしょう?

まずノルアドレナリンが分泌される原因を無くすことを考えてみましょう。

いわゆる「あがり症」の人のほとんどは、「失敗したらどうしよう??」と意識に支配されがちです。自分があがり症であることがトラウマとなっているため、手の震えなどが出た瞬間に、「失敗」という結果に直結します。その恐怖と闘いながら歌うわけですから、まあ満足のいく結果を得るのも難しいでしょう。

「失敗したらどうしよう」

まずこの気持ちを客観的に分析してみましょう。「失敗」と「どうしよう?」に分けます。

「失敗した先に何があるのか」という答えが曖昧な状態なので、まるで底の見えない奈落の闇の中に落ちてしまうイメージが先行して、その恐怖から必要以上に失敗を恐れ、まだ起こっていないことへの不安が頭の中を支配しているに過ぎません。

他人に置き換えて冷静に考えてみましょう。

「人前で歌う」→「失敗する」

この先に何があるでしょう?

答えは「いまと変わらない。もしくはかすり傷」です。

ゴスペルは合唱アンサンブルというちょっと特殊なものです。パートの違う人が隣にいたら、自分とは違う音で歌ってたりするわけで、慣れればそのハーモニーを楽しめるようになりますが、初めはいろんな音の洪水の中で自分のメロディをキープすること自体が難しい。

難しいことにトライするわけですから、出来なくて当たり前なのです。結論から言えば、ある程度の失敗を重ねない限り、歌が上手くなることはあり得ません。たまに卓越した勘や才能の持ち主がいますが、その人はその人で何でもある程度すぐにできてしまうゆえの悩みがあるはずです。

歌に関して言えば「失敗」はすべて「経験値」です。経験値にマイナスはありません。成功しようが失敗しようが経験値は常にひとつ上がります。

歌は私の経験上、右肩上がりに上達するものではありません。ある日突然階段を一段上がるように上手くなります。逆に言えば、その階段が目の前に現れる日までは何度やっても失敗します。

一見長い間成長できないように感じますから、人によっては「自分には向いてない」と諦める場合もありますが、それは私に言わせれば、「夢中になるほど好きではなかっただけ」だと思います。

子供が新しい遊びに夢中になり、何度も同じことをせがんだりしますが、そこには「失敗」への不安などはありません。大人から見れば意味のない行動のくり返しでも、子供はその「遊び」自体が楽しいのであって、飽きるまでやり続けます。

それでもまだ失敗自体が怖い人は、失敗する訓練をすればいいのではないでしょうか?

柔道ではまず初めにやらされるのは「受け身」の訓練です。

受け身というのは投げられた時にけがをしないためのものですが、試合でいえば投げられたら負けです。言ってみれば「負ける瞬間」の練習からはじめるということになります。

なぜなら強い人と練習する初心者は100%投げられるからです。投げられるのを怖がったり嫌がって強くなる人はいません。

長くなりましたが、人生において「歌がうまく歌えなかった」という出来事のリスクなんてほとんどありません。ましてや教室でのレッスン内では皆無です。本番でたくさんの知り合いが見に来てくれてるところで失敗したとしても、恥ずかしいけどやはりダメージ・レベルでは大したことないと思います。

それよりも失敗を恐れすぎる生き方のほうが長期的に見ればダメージはでかい気がします。

みんな仲間なのですから、おおいに失敗をさらけ出してください。それさえできれば緊張せず力を抜いて歌えます。

スタジオNODE新宿店

S.M.S ゴスペル・クワイアとしてはじめて東京に作った教室は高円寺でした。これは当時の担当講師だった菅波ひろみさんと相談して、彼女の拠点だった高円寺や荻窪からはじめようということで決まったもの。

その次に作ったのが高田馬場。これは単に僕がプロレスが大好きだったこともあり、「高田と馬場か・・・・。しかもスタジオの名前がノア・・。これはやるしかない!」という安易な理由で作りました。

やりはじめてしばらくして、生徒さんたちから、新宿や渋谷にも教室を作ってほしいといわれて、それでできたのが新宿校でした。友人の黒澤まりささんに相談したところ、紹介してくれたのが「スタジオNODE 新宿店」。

金曜日の夜が高田馬場、そして土曜日の朝が新宿という形で始めましたが、駅も山手線だと二駅しか離れてないし、こんなに近いエリアでみんな来てくれるのか不安でした。でも、東京のメンバーは朝早くから元気に集まってくれて、まあまあ広いスタジオですけどいつも満員です。

東京で教室を開校して一番驚いたことは、音楽スタジオのスタッフさんの礼儀正しさでした。

今は大阪のスタジオも246さんや、BASS ON TOPさんを筆頭にとても気持ちの良いサービスを提供してくれていますが、当時はスタジオの店員さんと言えば鼻ピアスに長髪とかモヒカン系のお兄ちゃんがまだまだ主流でした。

それはそれで、いつも気さくに話せて僕は好きでしたが、東京の、特に新宿NODEの受付のお姉さんの丁寧な言葉使いには本当にびっくりしたのを覚えています。「デパートみたいや~」って思いましたもん。

普通はそんな新鮮な感動も時間がたてば薄れるものですし、スタッフさん自身も長い時間やっていれば「慣れ」もでてきてクオリティが落ちるものですが、僕が見る限り新宿NODEの受付のクオリティはまったく落ちてないどころか向上していると思います。

新宿校が開校してもう5年になります。僕に感動を与えてくれたスタッフの荒波さんは、今年から店長さんになっていました。

今回は僕たちが活動するうえで、切っても切り離せない「音楽スタジオ」の中でも、特に大好きな「スタジオNODE 新宿店」を紹介させていただきました~~。

簡易録音のすすめ

歌を歌うときに、自分の出している声を耳で聴こうとする人は「声の揺れ」に注意してください。

声は喉(声帯)だけで出しているものではなく、声帯で作り出した空気の振動を身体のいたるところに共鳴させています。

ですので歌を確かめる時には、身体の内部の響きを感じるようにした方がよいのです。耳で聴きにいくと、脳みそは身体の外に出た「音」を情報としてキャッチし、インプットしようとします。

ほとんどの人は、内側から作り出した声で歌うという表現(アウトプット)と、外から情報を仕入れる作業(インプット)を同時にすることは苦手です。ましてやバンド・サウンドなどの大きな音が鳴っている環境では、自分の声を探す作業も入ってきます。

普通に考えてみてください。何かに意識を集中するときは人間は無口になりますし、手も止まりますよね?人間の脳みそが何かに集中するというのはそういうものです。

また集中した時に作業が止まるということは、音を聴きに行ったときにも同じことが起こります。試しにロングトーンを出して、途中で意識的に耳で声を聴いてみてください。大抵の人はカクンと音が揺れたり、ピッチが不安定になるはずです。

ちゃんと歌えてるかを確認するはずなのに、その作業がトーンを不安定にしてしまうのです。

では、どうすればいいのか?

僕が思うには、やはり「記録」と「分析」の作業は分けるべきです。

「記録」は二つ行います。

一つ目は「録音」です。最近は高性能の簡易レコーダーがとても安い値段で買えるようになりましたし、スマホのアプリでも資料レベルであれば何の問題もないほど綺麗に録音できます。

そしてもう一つの「記録」は、歌ってる時の「身体の感覚をできるだけ覚えておくこと」。「verseの部分はこんな感じだった。」とか、「サビはこのへんに力を入れた」とか・・・。

そして歌い終わった後、録音されたものを聴いてみると、「あれ?なんか思ってたのと違うな?」という部分が何カ所かでてくると思います。その時に歌った感覚を覚えていたらとても参考になります。

声というものは空気の振動で、人の耳やマイクに伝わりますが、悲しいことに出している本人には同じ声は聴こえてきません。なぜなら「骨伝道」というあごの骨や頭蓋骨の響きが混ざって聞こえるからです。

骨から伝わる音はどちらかというと明るめの音質ですので、実際に出ている録音された音を聴いたときに少し暗く感じるのはそのためです。

人に「良い声」で伝えたいのであれば、録音された声がその声になるように、「歌っているときの感覚を合わせていく」のが必要です。

まずは「録音」!!はじめは違和感から自分の声を聴くのはいちいち勇気がいると思いますが、慣れてしまえば「自分の本当の声」を受け入れることができますし、逆に知らなかった魅力も発見できます。

ぜひやってみてください!

まずはやってみる

よく生徒さんからこんな質問を受けます。

「先生、歌が上手くなるためにはどうすればいいんですか?」

この問いに対しての一番手っ取り早い僕の意見は「今すぐ自分の歌をうまいと思えばいいんじゃない?」というもの。

でも大抵の人はこの僕の言葉に対して怪訝な顔をして「もっとまじめに答えてくださいよ~」と言います。

結構真面目に答えてるんですけどね・・。

世の中には本当にやり方を知りたがる人が多いですし、答えを求めている人も多い。

人がやったやり方を参考にしたところで、とっかかりとしてはいいかもしれないけれども、ちょっと煮詰まったら、なんで自分がそれをしているのかさえ判らなくなるのがオチです。

また「答えを求めている人」も、僕から見たら何もしないで立ち尽くしている人にしか見えません。

答えは「求めるもの」ではない。また厳密にいうと「出すもの」でもない。

答えというものは単に「出るもの」です。しかもその出た答えは常に自分の背後にあります。

どのようなやり方が「正解」なのかをやる前から気にする人。そして過去に出た答えが「正解だったかどうか?」をずっと気にする人。

両者とも「現在」が真ん中にないから、実は何も生まれないし、何も変わらない。

ほとんどの正解は、たくさんの不正解の中に埋もれてます。何かを得る人は、たくさんの失敗を経験値や知識とするからこそ、「答え」を区別できるんです。

僕が見る限りでは、失敗してない人に「答え」が出てる人はあんまりいない。

冒頭の話に戻りますが、「上手い歌」を歌えるようになりたいのであれば、他人に決めてもらうのではなく、自分で「何が上手い歌なのか」を探す旅に出ればいいと思います。

子供のころにきれいな石ッころを探してたように、ひとつずつ手に取っては「違うなあ」と言いながら気にせずポイっと放り投げてるうちに、ある時突然見つかるもんです。

それが見つかったら、家に持って帰ってウキウキしながら砂を洗い流して、布で丁寧にこすったりしてるとそれは「自分だけの宝物」になる。

どうせ「宝物」を見つけるんだったら、たくさんの違うものの中から見つけ出す方が嬉しいと思いませんか?

目利きの優れた骨董屋さんだって、偽物を観たこともなかったら、本物であることはわからないんですから・・・。

ゴスペルのリード・ヴォーカル

ゴスペルを習っていると、誰もが一度はチャレンジしてみたくなるものの一つとして、リード・ヴォーカルが挙げられます。

きらびやかなステージで、大勢のクワイアを後ろに従えて、スポット・ライトを浴びながら歌う姿は、観に来てくれた家族や友人の眼にもとても華やかに映ることでしょう。

でも、ゴスペルの「リード・シンガー」には、一般的な音楽の「ソロ・シンガー」とは大きく異なる役割があります。

「ソロ・シンガー」がその楽曲の主役であるのとは逆に、「リード・シンガー」は礼拝やゴスペル・コンサートにおいては主役ではないのです。

これは聖歌隊(ゴスペル・クワイア)の役割に関係してきます。

教会の礼拝やゴスペル・コンサートにおける聖歌隊の役割は「賛美奉仕」または「歌唱奉仕」です。

礼拝は神様への賛美をする時間であり、祈りをささげる時間です。会場にいる会衆と呼ばれる人たちは、それぞれが祈りを捧げに来ているわけで、音楽を楽しむために来ているお客さんというわけではありません。

クワイアは、そのような会衆の祈りをサポートするために讃美歌であるゴスペルを歌います。そしてその中の「リード・シンガー」もまた、会衆のみなさんの祈りをサポートすると同時に、クワイアに対しての「Lead=導き」の役割を持っています。

ゴスペル教室やグループのコンサートでは、最近は特にブラック・ミュージックやR&Bに精通した「めちゃめちゃ歌の上手い歌い手さん」がソロをとって拍手大喝采という場面が見受けられます。

しかしそこに「祈りへの奉仕」「クワイアへの奉仕」という働きがなく、ただ単に「自分の歌を聴いてほしい」「大観衆の前で上手く歌いたい」といった「自己中心的な主役意識」しかなければ、その声は大音量で会場には響きはすれども、それまでのものだと思います。

しかし逆に、リード・シンガーや指揮者が真っ先に賛美モードに入り、天に向かって姿勢を示せば、クワイアにも同じ「目的意識」が作用します。そしてそれは会場全体を押し上げ、本来のゴスペル・コンサートの醍醐味である「怒涛の賛美の嵐」が生まれます。

一人の歌声を「聴かせて感動させる」よりも、会場全体に「歌声を生み出す」方がすごいと思いませんか?

舞台上の主役はクワイア。会場の主役はそこにいる会衆の皆さん。そして真の聴き手は神様。プロデューサーはジーザス。

そしてこの壮大な場面を作り上げるスタッフの一人として「リード・シンガー」がいると僕は考えています。

ですので、リードの選考においては、歌の仕上がりももちろん重視はしますけど、一番重視するのは「クワイアに火をつける導火線」となってもらえる姿勢があるかです。

リードにエントリーしている多くの皆さん!肝に銘じてください!

100点満点を意識しない‼

今日のレッスンで1曲歌い終わった後、メンバーの皆さんにこんな質問をしました。

「いま歌い終わって、自分たちって結構いけてるんちゃうの?」って自分で思った人はいてる?いたら手を挙げてください。」

そしたら誰一人として手を挙げませんでした。

そのあと、一人のメンバーさんに「君の歌に点数をつけるとしたら?」って聞いたら、彼女は少し考えて「65点」と答えました。

次に「残りの35点は気になる?」って聞くと「はい」との返事。


いつも僕は思います。

「生徒さんって真面目やなぁ・・・」って。

いつでも常に「100点満点」を目指すのはきっと責任感が本当に強いんだと思う。

100点のうち65点しか取れていないという自分に対しての不甲斐なさ、周りの人への「申し訳ない」という気持ちがあるんでしょうね。

だから65点の自分の歌声に対して「いけてる!」とは思えない。

でもちょっと待ってほしいです。少しだけ見方を変えてください。

思ったようにできなかった部分が35点あります。でも歌えている部分が65点あるわけです。

歌ってる時に意識してほしいのはこちらの65点の方。グループのサウンドとして絶対に欲しいのは「この65点」です。

別に20点でもいいし、10点でもいい。%は低くても、そこに自分を出せる空間があるのであれば、そこだけは気持ちよく歌いましょう。

僕はいつもいいます。「白黒つけましょう」って。これはダメな部分を明らかにするのではなくまずは「いい部分だけちゃんと理解して、その部分は100点満点の気持ちを持ってほしい」ということ。

今の自分にちゃんとOKを出しているかどうかはめちゃくちゃ大事なことです。

いい部分を「Yes」としたら、そうでない部分は「No」ではありません。「Yesにするには工夫が必要な部分」です。いわば「伸びしろ」。

出来てない部分があることにこだわりすぎて、できている部分が出せなければ、結果は「0点」です。これは寂しい。

それだったら今の持ち味を最大限に出して、そのうえで今日はあと「5点」増やしてみようと考えてください。25点の人なら30点。全員が「5点」魅力を増せば、100人いれば「500点」プラスです。

クワイアは一人ではありません。自分の中でうまく歌えない部分があっても、きっとメンバーの中にそこを得意とする人がいるはずです。当然、その逆もあるわけですから、あなたの65点はいろんな人の苦手を補うのです。

僕は「講師」という仕事をやっています。でも僕自身が自分の歌を理想と比べて評価した時つけれる点数は「40点」くらいかな?

でもその「40点」はどんな生徒さんも持っていない、僕にしか出せない「完璧な40点」です。僕はこの40点に絶対的な自信を持っています。だから講師ができるんです。

100点のうちの65%しか歌えないのではない。その65%の部分だけは「誰かを補う100点満点として歌うこと」が大切です。それが「Satisfy My Soul」のサウンドです。

「未完成」にこそ「味わい」があると僕は思います